局部第一季

第二季已经出来了，我才偶然看到第一季。好像前阵子《千里江山图》大热的时候，也谈论到陈丹青。对热点这东西我一直都不太留心，并没有什么骄傲的资本，却不知道这样的态度算不算另一种自负。其实这种状况很像看各色展览，逛各种博物馆，你总是避不开人群，但是又别无选择。然而对于看一档节目就自由很多，当它冷却下来不再被热议，如果某一刻它仍然吸引了你，就如一场偶遇般惊喜。正如陈丹青说他去佛罗伦萨的圣马可教堂，看一间间小禅房里安吉里柯的湿壁画。同样的宗教题材，同样的人物画面，在这般安静的无人打扰的情形下，此刻仿佛化身其间修行的僧侣，你会有许多不一样的感受。画与它所产生的环境是一体的，你会明白为什么安吉里柯宁愿放弃做高官的机会，只想在这里画画。

片头的音乐让我想起《从卢浮宫到紫禁城》，当时看这部纪录片的时候，不太明白为什么到了最后就成了东西方绘画的对比。现在才明白，原来绘画在西方艺术史相当长的时间里占据着绝大多数的篇幅。纪录片介绍的是主流的大众的，而陈丹青讲的是完全私人的。他很认真的写了讲稿，甚至写得很文艺，但他非要端着稿纸好似漫不经心地念出来，似乎在告诉我们这档节目属于“订件”。然而他越是漫不经心你越是听得仔细，恐怕一个思维跟不上，就会少许多美妙的体验似的。可是他讲的仅仅是“局部”，或许他自己都不知道自己讲了些什么。他是自负的，当他说到人们向他索求答案的时候他会想死，当他看到那些考美院的孩子们的素描时他会想死。这种没有原因可说也许就是另一种自负吧，只是他用了相当谦逊于主流的方式来表达，然而越是冷静就越是鄙夷，他的自负比木心高明。

木心赞美鲁迅写的雪，然而他自己写的我以为比不上鲁迅。有一次我看到，木心拿自己和曹雪芹比，这种狂妄或许近似梵高认为自己将来会闻名世界一样，是艺术家的特质。然而我只想问问，即便木心和曹雪芹可比，那么我们的时代和曹雪芹的时代能不能比，如何比？实际上许多事败就败在你要去比，只要一比，就势必会把自己的思维困住，尚未下笔，就已经输了。而陈丹青说，世界历史上之所以有那么多伟大的文明，是因为他们不知有彼此。古希腊、古埃及、古巴比伦、古代中国都是如此。我们是历史的后来者，我们什么都知道，所以我们控制不住要自作聪明地去比较一番，这才是一本正经胡说八道。

我们如何去比较我们的上下五千年？你喜欢哪个朝代或者不喜欢哪个朝代。如果严肃一点说，你没有喜不喜欢的资格，你只能去了解、认识，尽可能的接纳。陈丹青说到徐扬的《南巡图》，诚然清朝是柔弱的、萎靡的、艳俗的，然而这就是清朝，和你所了解的广汉盛唐一样，它的存在不可替代。

陈丹青说王希孟的年轻，说梵高的憨，说古希腊是人类历史的少年期。他是在说一种元气和灵气，说人之生来的你没有办法的天分，这一点才是最稀缺最要紧的。如果少了这一点，你可以有学术，可以有传统，也可以有技巧，但却都构不成那个特别的你。我们这个时代，和以往不同的是，并不存在什么迫切需要解决的，尖锐到关乎生死的矛盾，所以我们的信仰也并不是那些可以拿出来呐喊的凛然大义。没有什么鲜明的旗帜，很包容也很多元，我们只想听点新鲜的。不一定要有什么用，而这一点新鲜却格外的难得。比如大多数人认可古希腊的雕塑是静穆的，而鲁迅偏要说，它们在诞生的时候也是雪白的，崭新的，在阳光下发闪的。

我们这一生会学到许多东西，眼界也会随着所学一点点广阔。可是等你老了再来看，却发现念念不忘的还是那几个作家，那几部电影，那几幅画，那几首歌。好像我们的情感归属其实老早就定格在自己的青春时代，只是有的人会一直保留着这元气和灵气，而有的人则一辈子纠结挣扎。我们不断地练习，不断地练习，却丝毫也不敢说自己到了怎样的程度。我们只想等来上帝垂青的那一刻，好像那幅画不是你画的，那首诗也不是你写的，正如王希孟一样，那是上帝让他画的。

🌟第七期－绘画的放纵🌟

上海的晴天很美，这座城市的雨季多过晴天，从树影中筛出鲜活的光芒，罩住熙熙攘攘的万物。这样的季节会想到莫奈的《日出.印象》，对于和笔者一样喜爱在户外流连的画家们，他们尽情捕捉良辰美景，若他抓住了那六点钟一瞬的景致，想象着他们提起绘画工具心满意足，也许还哼着欢快的小曲离去。

原创|小孙字典没输字

回家路上，八九点的太阳又是另一番景象，画家的笔触凭着拼时间、感觉、才华、阅历和状态开始获得足够的温暖，才会在画布盛放生命的一柱光，后世的一段传奇。我们能在画布中看到颜料、笔触、涂抹、不断覆盖，这些媒材是把画家的生活活成一场艺术盛宴，目睹着画作许久后它也成全了我们生活的日新月异。

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再到后来，野兽派的崛起让印象派总存在不适感，从毕加索拆散绘画的角落，各取一端，就有了立体派，也影响到了后来的抽象画。他们的绘画更加尊重自己的初心，于是作品开始有了生命力，在印象派与野兽派之间，莫奈阅读日出，发现了艺术的日出，毕加索阅读灵感，发现了艺术的潜意识秘密，在印象派与野兽派之间，我们欢迎各种欣赏绘画的观众。

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毕加索认为，画作配上框子之后就死去了。画家对画作绞尽脑汁的反复琢磨，在绘画中尽情放纵，这种生命力让它能继续依靠画家决定。笔者认为观众在欣赏画作的时候，它也以另一种形式活着，带我们领略旧时光的外面风光，满足我们对世界无尽的探索欲，粉碎隔开我们与世界的这道屏障。

🌟第八期 —非正式魅力🌟

疫情持续许久，这样膨胀的消息里，看着陈丹青先生交流绘画心得，至少艺术成了生活的冥想点，于是聆听音乐、阅读书籍、了解陈丹青先生讲述的艺术，让碎片生活变得更加连贯起来，不再是飘荡在时间与空间之中。

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在陈丹青先生的轻柔细语下，那种充满着旧事的胶片质感镜头浮现，在他的语言中勾勒出不一样的文人墨客作画，惬意山水与西方油画相映成趣，更加感受到历代文人墨客的洒脱又极具儒雅韵味，笔尖倾诉在纸张上是行云流水的意境，想必他们是酣畅淋漓地挥笔，真是逸笔草草，尽其妙也。他们在作画中追求绘画中的一切皆是虚幻的，切莫把绘画当真，画这幅画的心情比较重要，无所谓是否画完。

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关于对书法的了解，陈先生言简意赅地指出“碑不如告，告不如书”，意思是石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件却不如私信的草稿。这也说明在非正式场合的表达往往体现出艺术的魅力，书法离不开随笔而写的一种自在随性的心境，这就是书法的最高境界。

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只是今人多少是爱怀古的，可是看到至此唯有拙见的笔者不禁有了疑惑，难道只有不断歌颂曾经的艺术成就来一场心灵的文艺复兴，而不去探索与鼓励今人的文字、音乐与绘画等艺术形式继续发扬，笔者惟愿不薄今人爱古人。

🌸第九期 —瓦拉东母子🌟

印象派进入了转折时期，陆续出现了毕加索、勃拉克和马蒂斯等人，随着民众对画家更加有包容性后，这时候冒出了“巴黎画派”，那里出现了一位女性画家苏珊.瓦拉东。

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这次介绍瓦拉东的事迹令人感到十九世纪的巴黎真是一个美妙而奇异的地方，她做过很多工作，服务员、杂技马术演员、洗衣工、模特等工作，在做模特工作期间，她也一直观察这些画家是如何处理工作，仔细聆听他们对艺术的看法。在与他们交流的时候，使她更加无法压抑自己对美的感知，或许这种美也来自于她的身心被痛苦折磨后从混乱的巴黎社会中创造出来的。

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瓦拉东无意作画得到了德加的认可与鼓励，她就开始继续作画。她的绘画方式没有像男性目光审视洛丽塔的生命之光、欲念之火，而是出于女性对其他美丽女性的身体投去了欣赏的态度，因此呈现出一种顽强向上的生命力。她笔下的女性也没有那种甜美、丰腴、高贵和性感的风格，而是充满着野性的味道。

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瓦拉东曾经是社会边缘人物，她凭借着纯粹强健的生命力，野心勃勃、热烈奔放的心灵使她更加强健，顺着艺术的道路，熟悉自己的研究对象，沿着自己的轨迹安宁地前进，最终演奏了属于自己的命运节奏。

第一季

第一集 王希孟 《千里江山图》

第二集 布法马可 《死亡的胜利》《地狱》

“可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力。”

“因为我们中国的绘画文化、绘画传统，是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》。”

第三集 蒋兆和 《流民图》

“可是孟德斯鸠说过一句话：人在苦难中才更像一个人。”

“大家想想看，这是一个受难的民族，一个战胜国对待《流民图》的态度，这幅问世于沦陷时代的创作，日本敌国怎样憎恨不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭遇憎惧，权力的意志让这幅画辗转于高层的毒语和封尘的库房，《流民图》中的流民像鬼魂一样流进蒋先生的画里，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月背负罪名、差点被销毁，这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难。”

第四集 文森特·梵高 《杏花》《吃土豆的人》

在荷兰初学画时的早期作品 憨人梵高 大巧若拙

画穷苦人的对比 德国珂罗惠支的《暴乱》 中国王式廓的《血衣》

第五集 巴齐耶 《画室》《粉红色连衣裙》《家庭团聚》《夏日》

第六七八集 文森特·梵高 《海边的渔夫》

谁养艺术家、绘画的放纵、非正式魅力。

画家从巫师、到宫廷画师、到“self-employ”。

7

以前画家的宫廷订件和印象派画家的自由创作。

锡管颜料的诞生让印象派随时随地作画得以实现。

一起写生的毕沙罗和塞尚的画作的对比，毕沙罗尽量完成，而塞尚每幅画都没有完成，“打开的作品openwork”。

8

“毕加索说过另外一句话，他说希腊人，罗马人，文艺复兴人，在那画画都有一个规则，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。”

“（吴作人）他说你们要知道，什么时候停下来，要知道画，也要知道不画。”

晚年的德加眼睛不太看得见了，就做点雕塑，也喜欢写十四行诗，写完之后就给他的诗人朋友马拉美看。“他说，哎呀，我心里还有很多意象，没有写出来，结果马拉美对他说，亲爱的，诗不是意象，是字和词。德加是非常刻薄的一个人，也非常会说话，可是听到这句话，他说，我在你面前丢丑了。”

“碑不如告，告不如书。石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件不如私信的草稿。”

“但我要提醒大家，所谓未完成，所谓打开的作品，是一个早就过时的命题，早就过时的革命，但所有革命啊，遗患无穷，除了若干天才，自从印象派闹了这么一场之后，全世界千千万万画家就猖狂起来，画了不知道多少糊涂乱抹未完成的画。那么‘尽其妙也’也是一句漂亮话，漂亮话也是遗患无穷的。”

第九集 瓦拉东母子：苏珊娜·瓦拉东、莫里斯·尤特里罗

她是第一个提供了女性视角的女裸体和男裸体的画家。

第十集 关紫兰《少女像》 丘堤《静物之一》《平湖秋月》

“（关紫兰）她下笔的胆气，和瓦拉东有一拼，而且是纯然的天生，你比起刘海粟那种胆气那种霸悍，她一点不是造作的，一点不是刻意的”

“（丘堤）她的静物画，以我所见，我愿意说是中国第一。好在哪里呢，同样是画花、瓶子、衬布，她知道避俗，出手非常简静，她的画不比瓦拉东好，但是比瓦拉东高。第二，就是她的素心。第三就是见物性，物性又分两层，一个就是她画的那些东西，就是不修饰，不渲染，是物体的恰如其分，也是她对物体的敬意和爱意，另外一层呢，就是材料的物性，就是颜料和笔，丘先生敷色、行笔、起止、收束，她始终都是不温不火，到处都是浓淡得宜，这很难做到的，不光是本事，就所谓温良恭俭让入了画，就是丘先生这种境界。第四呢，当然她也是非常民国的气息，自发，自在，自主，自适，而且自尊。”

第十一集 徐扬 《乾隆南巡图》

第十二集 卡帕齐奥《朝圣前的典礼》

讯息与景别

影像介入大量次要讯息 意大利导演费里尼《八部半》 贝托鲁奇《1900年》《同流者》

塔可夫斯基 《牺牲》 景别运用

“一部电影，一幅画，其实是看导演和画家，怎样诱导观众的目光，我这么看这个场面，是要你也这么看，然后个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了，这个是视觉艺术的命根子。”

“但是这两位天才（卡帕齐奥和费里尼）的影像和画面，我又要说，和徐扬还有点接近，就是热衷于次要的信息，为什么呢，因为重要的不是故事，而是场景，诱人的未必是情节，而是观看本身。”

第十三集 苏里科夫《近卫兵临刑的早晨》《女贵族莫洛卓娃》 列宾《伊凡雷帝》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》

苏里科夫做到了油画民族化

“西方对俄罗斯的文学和音乐高度重视，但是到今天为止，他们仍然坚持，对俄罗斯的绘画无知，至少，好像不想有知。”

“陀思妥耶夫斯基说过一句话：在亚洲，我们是欧洲人，在欧洲，我们是亚洲人。”

“西方对俄罗斯绘画的批评，通常是指，不是纯绘画，这种绘画是一种文学的附庸，我认同的，但我心里不服。欧美极少数艺术家和学者知道苏里科夫和列宾，正好今年上半年，我和一位英国的老学者谈起俄罗斯的委屈，他也蛮同意，但他说西方人可能有两个词批评俄罗斯绘画，一个就是narrative，就是叙述性的绘画，还有一个就是sentimental，太伤感主义，我也认同的......但我还是不服，整个文艺复兴的绘画，就是《圣经》的附庸，是《新/旧约》的图解。”

（俄罗斯也是我的少年情结啊 片尾《山楂树》一响起来就眼睛酸）

第十四集 弗拉·安吉里柯 《耶稣受难》《嘲弄耶稣》《三博士的朝拜》

Angelico类似一个外号 意文 天使般的

“你到了这里面，你不单是安静下来，而且一切到此为止，你的家，你的国，你过去的记忆，全都消失了，有一点点像电脑死机的样子。同时呢，一切就开始了，你会自然而然地心里面有一念，就是万事罢休，从此静心修道，你会有这么一个念头。你面对的是空荡荡的四壁，只有耶稣和圣徒陪着你，准确地说，其实就是你跟安吉里柯面对面，此外什么也没有。”

“13世纪中叶之后，整个14世纪，还有15世纪的上半，事情很有意思了，这两百年的宗教画，人性，神性，你用不着分的，你也很难分开，你瞧见神性的地方，就是人性，你被人性感动了，你会发现那个是神性。......都说文艺复兴是欧洲人的黎明，在佛罗伦萨，在圣马可教堂的二楼，在一间一间小禅房里面，就在窗户旁边，那个安吉里柯的湿壁画，你会看见，什么是黎明的曙光。”

第十五集 菲罗马可斯（Phyromachos）《巨人的战役》

古希腊派格蒙祭坛雕塑

鲁迅 《“题未定”草》

“鲁迅很讨厌，读到他（朱光潜）这篇文章，他就出来跟他叫板，煞风景。鲁迅举了古希腊雕塑和陶渊明的一些例子，说他们并不会全然是静穆，他们还有别的境界。”

“照马克思的说法，古希腊是人类的儿童时代。”

第十六集 马塞尔·杜尚 《下楼的裸女》《泉》《L.H.O.O.Q》《杜尚的盒子》

被艺术耽误的职业棋手

达达主义 超现实主义

玛瑞娜·阿布拉莫维奇《艺术家在现场》 跟乌莱对视那幕堪比电影场景

“即使在欧美，说起艺术，还是指绘画和雕刻的意思。杜尚机警，一百多年前他就想，除了绘画和雕刻之外，艺术还有没有别的可能，他想重新定义艺术这个词，他做到了。”

“上次说到所谓前卫，就是事情做得太早，历史看不懂，也看不见，印象派小子很苦，等于在前线，直接跟沙龙、跟公众、跟旧势力斗。马塞尔·杜尚的前卫啊，笑眯眯地躲着，稍微弄几下子，他不声张。”

“晚年他说，他重视呼吸胜于一切。”

“站在绘画的立场上，当然会说，塞尚去世的那一年，1906年，是现代艺术的起点......那么，你以非绘画的立场，我以为，应该算是杜尚放弃画画的1912年起算。”

1⃣️0⃣️ 《民国女画家》

陈丹青先生说起民国女画家的时候，嘴角带着一抹温情的微笑，然后缓缓地、缓缓地说着话，话语如同暖阳之光，不同于之前的冷寂静谧，它从窗外洋洋洒洒、正大光明地浸入我们的躯体与思想。

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民国时代可以说是女性崛起的年代，从林徽因、宋氏三姐妹、陆小曼和杨绛等等，这些女人从外貌亦或是智慧都独具韵味，这些女性追求平等、渴望成功的欲望很强烈。我们也能感悟到她们的倔强，感悟到她们如何义无反顾地创造生命，仿佛为当初战争年代的灰暗里加添了希望。

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这次提到两位中国女画家，一位是上海女子关紫兰先生，明艳的长相养出来一团静气，这团静气在画笔中也得以晕染开来，下笔颇有胆气，画笔纵横涂抹表现出娴静艳丽的欢愉气息。而关紫兰的后半生大隐隐于市却也不掩她侠情柔骨的另一面，她施以援手资助恩师的孩子上学，鼎力相助恩师的家人归国，那层美丽的外表下流淌着人类的高尚品德。人至暮年的她成了穿行上海弄堂间的妇人，偶尔爱去铜仁路喝咖啡，每月会去理发店修饰自己，嘱咐子女在她去世后洒骨灰到西湖，这样可以每年到西湖旅游，正是这样淡泊的态度成全她与世界一次坦诚的相知相惜。

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曾经名噪一时的关紫兰先生这一生也给我们启示，女人到了一定的年纪，即使是独一无二的也需向统一退让，即使是自由的也需向规则妥协，即使有着孤独的魂魄也需亲近群体，这才是能延续自己的生命。

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另一位民国女性画家丘堤先生，她不同留学日本的关紫兰先生那东洋路数，而是典型的法国路数，受到法国留学的丈夫影响，她掌握了温和的“立体主义”架构，画作有一种素简的气息，旧日的温良恭俭入了画魂，笔者偏爱她的《栀子花》，浓淡恰到好处，不温不火的风格使得物体有一种通透感。看着《静物之二》光线洒在物体上面，让我们卸下生活的铠甲为《静物之二》里的物件和阳光停下来，感受到了一股佛的慈心。

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这期视频是最喜欢的，她们带着积淀时光的风雅碎步，轻轻叩响笔者的心门，相信这期视频会给你沉淀浮躁的内心，让你看到另一端日子的艰难与温情。

1⃣️1⃣️《徐杨的功德》

世人皆知《清明上河图》，当我们的目光被它吸引的时候，再去看还有一副画也存在着重大的意义，这就是徐杨所绘的《乾隆南巡图》，每一个笔触都铿锵有力，那些风光、壮观的画面，不过因为是宫廷画师徐杨们在我们看不见的时候，流下了想象不到的汗水。

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这副画全凭画家的高超记忆力和精湛技术，描绘乾隆十六年乾隆皇帝第一次南巡的情景，让当时的“人间天堂，盛世繁华”的苏州城盛况出现在世人眼里，这是一件非常有历史价值的作品，真实反应当时社会风貌的纪实风格画卷。中国拥有千年悠久的历史文化，我们作为炎黄子孙在历史的长河中寻找到一份情感的寄托，这样的画卷给后世遗留下了令人惊叹的历史。

嘿！从室内到户外，换地盘了！哈哈哈！豁然开朗！

1⃣️2⃣️《讯息与景别》

话说陈丹青老师提到画家卡帕奇奥眼睛不安分的时候，笔者不由得联想到疫情前那个无比快乐看着各路无名帅哥的自己，不安分的眼神也是捕捉美的眼睛，画下神明赐予世界的丑陋与美丽，即使是猖獗的丑陋，经过画家的神来之笔在观众眼中也只有满纸诉无尽的美丽，如火如荼地怒放，跃然纸上的智慧与美丽让后人的眼眸触及心灵并且重读信仰。

原创|小孙字典没输字

卡帕齐奥的透视法，永远设定观众在现场，从观众的位置看出去，远远望去有很多人游荡。而说到透视法，中国的长卷画与散点透视、移步换景相关，其“旷观”视角在古代好比纪录片的写实角度，然而这样“旷观”的角度就此止步于徐扬和王希孟，这样的美术史秘密就永远遗失了，去世的艺术家就此永远沉默了。

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不知为啥陈丹青先生在乌镇老宅前莫名流露出一种羞涩的感觉，乌镇也是很喜爱的古镇，尤其是晚上的乌镇夜色很迷人，暖黄色的灯光，那种暖色让人驻足留恋，早上那么多人瞬间消隐在低垂的夜景里，乌镇，按照旷观角度东栅的原生态文化底蕴、西栅的繁华喧嚣，如果是卡帕齐奥的透视法那就是亦或是泛舟在迷离的水乡上，遇颇有雅兴的船家即兴哼唱，亦或是找家有热气腾腾的小饭馆儿，惬意的吃着美味佳肴（记得光盘！），亦或是石桥上看着灯火辉煌的建筑。

原创|小孙字典没输字

以眼画美景，以笔写美景，以心记美景，这个场景从未离开过。

❣1－3

审美不是天生的，需要经过后来不断地学习和提升。陈先生讲的画作对我们而言是不懂得的美，美具有多样性，不能要求一致性，面对这样的美选择虚心接受和记录。（原创：小孙字典没输字）

陈先生离校出走，与体制告别后的他在外讲授知识，对我们而言是一种幸运，他对美的理解倾向高阶思维和学术性知识层面，一位忠实于自我的人对于美的理解更具有真实的感知能力，无需借助任何词藻修饰美。（原创：小孙字典没输字）

——《千里江山图》

画家：王希孟

皇家画院，一位十八岁的少年王希孟无所忌讳，又得宋徽宗亲自调教，彼时的他雄心壮志，挥笔收纳自成格局的景致，每个景致都有精细动人的细微之处。（小孙字典没输字）

十八岁贵在年少轻狂，才在伟大的画卷中赞颂秀丽江山的气魄。“纸寿千年，但是绢寿五百”，于我们而言，千里江山图的完好保存是何其有幸，而那个早慧的少年在乱世中如烟云浩渺一般隐身在画卷的背后，《千里江山图》成了个人的绝世哀弦。（小孙字典没输字）

——《死亡的胜利》

画家：布法马可

原来我们一直误会，在西方人和正统艺术家的价值观里，湿壁画才是艺术的杰作，油画之所以风华绝代是得益于印刷的普及和画册宣传。（原创：小孙字典没输字）

说来也巧，《死亡的胜利》展现了一场瘟疫带给世人的恐惧，西方艺术家不同于东方艺术家，他们是直接坦坦荡荡地表现出死亡的到来，《死亡的胜利》有一种排山倒海的气势，这样纷繁的景象还能得到细心的描绘，湿壁画走出油画的框架在墙上直接的呈现了神圣的杰作。（原创：小孙字典没输字）

艺术画作会激发人类内心深层的崭新感知能力，是第一感觉，是内心的本能，是对作品的骚动，而这份感知能力也让人类由此内省自己孩子般的无知感。（原创：小孙字典没输字）

——《人民的胜利》

画家：蒋兆和

《流民图》生动的记录了战争时期受到日本欺负、压迫和奴役的一百个中国老百姓流离失所的惨状，每个人紧皱眉头，眼神涣散地注目没有尽头的前方。这部有血有肉的长卷画作因画家的个人经历得到质疑，这部作品的存在也就掩藏起来，而蒋先生的人生也过上了四处游荡的生活。（原创：小孙字典没输字）

孟德斯鸠曾说过“人在苦难中才更像一个人。”，看着《流民图》，你才会真正地置身其中，与那些人物的内心世界深深地共鸣。今日这盛世是来之不易的，忘记历史的民族是另一种形式背叛披荆斩棘的先辈们，同时也不再拥有未来。（原创：小孙字典没输字）